Musical Tomorrow e.V. ist es als erstem gemischten Amateurverein Deutschlands gelungen, die Aufführungsrechte für Andrew Lloyd Webbers Musical-Klassiker CATS zu erlangen.
Die Produktion feierte bereits im April 2024 einen großen Erfolg in Mörfelden, sodass sich der Verein aufgrund dessen und den vielfachen Wünsche von Fans entschieden hat, die Produktion im Januar 2026 wieder aufzunehmen und zurück nach Mörfelden zu bringen. Der Erfolg in 2024 mit über 3.000 begeisterten Zuschauern sowie die sehr positive Reaktion von Presse und Kritik „zeigt wieder einmal, auf welchem hohen Niveau Vereine hierzulande Musicals auf die Bühne bringen.“ (Zitat kulturfeder.de)
Die mit Maske und Kostümen sehr nahe am Original inszenierte Produktion mit einem aufwändigen Bühnenbild ist eines der größten Projekte, die der Verein bisher umgesetzt hat.
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Fr. 9.1. (Premiere), Sa. 10.1. und So. 11.1. sowie Fr. 16.1., Sa. 17.1. und So. 18.1. (Derniere) 2026 (Freitag/Samstag jeweils 20 Uhr, Sonntag 17 Uhr).
Grundlage für CATS war die Gedichtsammlung Old Possum´s Book of Practical Cats des Katzenliebhabers und Literaturnobelpreisträgers T.S. Eliot. Der Dramaturg und Regisseur Trevor Nunn entwickelte daraus ein Konzept, das Eliots Sprachgenie würdigt und gleichzeitig auf der Bühne funktioniert. Passend dazu komponierte Andrew Lloyd Webber sein musikalisches Meisterwerk – ein Genre-Mix mit einzigartigen Melodien, die längst selbst zu Klassikern geworden sind. Gillian Lynnes bahnbrechende Choreografien und die charakteristischen Kostüme von John Napier, der auch das eindrucksvolle Bühnenbild schuf, machen das Gesamtkunstwerk perfekt: Eine spielerische Vereinigung aus katzenhaften Bewegungen und menschlichen Eigenschaften.
Mit der Uraufführung im Jahr 1981 hat CATS die Musicalwelt nachhaltig revolutioniert. Rund um den Globus haben die „Jellicle-Katzen“ anmutig auf vier Pfoten sämtliche Rekorde gebrochen und mehr als 73 Millionen Zuschauer:innen in über 30 Ländern begeistert. Und ein Ende der Erfolgsgeschichte ist nicht in Sicht! Denn auch über vierzig Jahre nach der Premiere im Londoner West End haben die Charakterkatzen – vom durchtriebenen Macavity über den Zauberkater Mistoffelees und die schneeweiße unschuldige Victoria bis hin zum unwiderstehlichen Draufgänger Rum Tum Tugger – nichts von ihrer generationsübergreifenden Faszination eingebüßt. Noch immer ziehen sie das Publikum in den Bann, das so vielfältig ist, wie die Katzenbande selbst.
Sieben Tony Awards sowie drei Drama Desk Awards hat „CATS“ bereits gewonnen. „Immer noch das Nonplusultra“, jubelt die Times. „Unsterbliche Melodien, ein spektakuläres Bühnenbild und eine hervorragende Besetzung“, stimmt der Daily Mirror ein. Und die FAZ ist überzeugt: „Ebenso zeitlos wie z.B. die West Side Story. Beim minutenlangen Schlussapplaus in der Alten Oper wünscht sich wohl so mancher im Publikum, er könnte ein Leben führen, wie das verschworene Katzenarsenal: Freundlich, friedlich, furchtlos und frei.“
Die Story von CATS
Regelmäßig finden sich die Katzen aus London zum Jellicle Ball auf einer Müllkippe zusammen. Eine Katze wird am Ende des Balles ausgewählt, um wiedergeboren zu werden. Das regt die Katzen zu einer wilden Diskussion an. Victoria, eine der jüngeren Katzen, eröffnet den Ball, danach präsentiert jede Katze dem Ältesten, Old Deuteronomy, ein Lied, der dann entscheiden muss. Eine der Sängerinnen ist Grizabella, die von den anderen verstoßen wurde und deshalb sehr traurig ist. Sie singt nach einem Zwischenfall, bei dem der unfreundliche Macavity mit einem Knall alle verschreckt, eine Version von „Erinnerung“. Doch bevor eine Entscheidung getroffen werden kann, wird Old Deuteronomy vom gemeinen Macavity entführt. Dieser gibt sich dann selbst als der Älteste aus, was die anderen Katzen zwar durchschauen, jedoch nichts dagegen tun können. Doch dann schafft der junge Zauberkater Mr. Mistoffelees ihn wieder in die Mitte der Katzen zu zaubern, die ausgestoßene Katze Grizabella wird wieder von den Katzen aufgenommen und der Älteste entscheidet sich auch für sie. Somit erhält sie die Chance auf ein neues Leben.
Musical Tomorrow e.V. – Das Musical-Ensemble aus dem Rhein-Main-Gebiet
Die musicalbegeisterte Gruppe Musical Tomorrow e.V. wurde 2009 von Leiter Rainer Maaß gegründet und ist seit Juni 2012 ein eingetragener Verein, der jährlich eine große Musical- oder Konzertproduktion auf die Bühnen im Rhein-Main-Gebiet bringt.
Seit vielen Jahren wird zudem der Verein Albatros e.V. und seine Arbeit mit behinderten Kindern und ihren Familien durch Spenden der Zuschauenden unterstützt. Aktuell besteht Musical Tomorrow aus knapp 60 aktiven Akteur:innen und insgesamt über 100 Vereinsmitgliedern zwischen 20 und 60 Jahren. Das riesige Engagement unserer Mitglieder sowie der vielen Helfenden im Hintergrund ermöglicht es, beinahe alle Gewerke in Eigenregie stemmen zu können. Musical Tomorrow beweist immer wieder, dass auch Amateur-Vereine hierzulande auf hohem Niveau Musicals auf die Bühne bringen können.
https://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2026/01/Musical-Tomorrow-CATS-Credits-Svenja-Drewitz.jpg6831024Christoph Seidlhttps://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2023/06/WMF_logo_black-on-white_web.pngChristoph Seidl2026-01-08 18:25:042026-01-11 22:12:32Musical Tomorrow e.V. – das Musical-Ensemble aus dem Rhein-Main-Gebiet – bringt CATS – das Musical im Jahr 2026 zurück nach Mörfelden
Für den Open Call zum Kultursommer Wien 2026 gibt es drei Infoveranstaltungen, um offene Fragen rund um die Online-Einreichung in den Genres Musik, Kabarett, Theater, Tanz & Performance, Literatur und Zeitgenössischer Zirkus zu beantworten.
Antworten auf die meistgestellten Fragen gibt es außerdem in den FAQ für Künstler:innen.
Die Kultursommer Wien Open Call 2026 – Infoveranstaltungen
Für Künstler:innen aus allen Genres: Dienstag, 9. Dezember, 17 Uhr
Für Künstler:innen aus den Genres Kabarett, Literatur, Theater, Tanz & Performance und Zeitgenössischer Zirkus: Mittwoch, 17. Dezember, 10 Uhr – in Zusammenarbeit mit IG Freie Theaterarbeit
Für Musiker:innen: Montag, 12. Jänner, 14 Uhr – in Zusammenarbeit mit mica – music austria
Gartenkonzerte in den Pensionist:innenhäusern: Theresa Aranya Aigner
Jazz & Zeitgenössische Musik: Clemens Salesny
Kabarett: Hosea Ratschiller
Programm für junges Publikum: Johanna Jonasch
Klassik & Global: Teresa Fingerlos
Literatur: Ana Marwan & Tino Schlench
Rap & Pop: Petar Rosandic (Kid Pex)
Tanz & Performance: Elizabeth Ward Rock
Elektronische & Experimentelle Musik: Wolfgang Schlögl
Theater: Patrick Rothkegel & Sara Schausberger
Wienerlied, Volksmusik, Schlager & Austropop: Helmut Thomas Stippich
Zeitgenössischer Zirkus: Miriam V. Lesch
https://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2025/12/open-call-26_querformat.png788940Christoph Seidlhttps://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2023/06/WMF_logo_black-on-white_web.pngChristoph Seidl2026-01-07 19:09:002026-01-07 23:01:45Kultursommer Wien 2026 – der Open Call läuft bis Mitte Jänner 2026
Das MusikTheater an der Wien – ein Unternehmen der Wien Holding – wurde bei den International Opera Awards in Athen in der Kategorie Opera Company als „Opernhaus des Jahres“ ausgezeichnet.
Der Preis für das „Beste Opernhaus“ ist eine der höchsten Auszeichnungen der weltweiten Opernszene und würdigt das herausragende künstlerische Profil des Hauses, seinen innovativen Programmzugang sowie die eindrucksvolle Wiedereröffnung nach einer umfassenden Renovierung.
Die Begründung der Jury für die Auszeichnung: „Nach einer zweijährigen Schließung und einer umfassenden Renovierung eines der historisch bedeutendsten Opernhäuser Europas feierte das Team in der Spielzeit 2024/25 ein triumphales Comeback – mit einem mutigen, vielfältigen Programm, das vier Jahrhunderte Musiktheater umfasste: von szenischen Produktionen über konzertante Opernaufführungen bis hin zu innovativen Bildungsinitiativen.“
Die International Opera Awards repräsentieren die Wertschätzung für herausragende Leistungen der Opernwelt.
Die Preisverleihung fand im Rahmen der 12. International Opera Awards in der Stavros-Niarchos-Halle der Griechischen Nationaloper in Athen statt.
In Anwesenheit zahlreicher VertreterInnen der internationalen Kulturszene überreichte die griechische Kulturministerin Dr. Lina Mendoni die Auszeichnung an Prof. Dr. Franz Patay, CEO der Vereinigten Bühnen Wien, sowie an Stefan Herheim, Intendant des MusikTheaters an der Wien.
Künstler:innen aus 25 Ländern waren in unterschiedlichen Kategorien nominiert und die FinalistInnen wurden aus über 14.000 Nominierungen von Opernliebhaber:innen weltweit ausgewählt.
Eine internationale Jury aus Künstler:innen, Kritiker:innen und Kulturmanager:innen aus 20 Ländern, unter dem Vorsitz von John Allison (Chefredakteur von Opera und Opera News, Musikkritiker bei The Daily Telegraph), entschied über die Gewinner:innen aller Kategorien – mit Ausnahme des Publikumspreises.
Die Stimmen zur Auszeichung „Opernhaus des Jahres“
Finanzstadträtin Barbara Novak: „Diese Anerkennung für das MusikTheater an der Wien bestätigt, dass sich konsequente Investitionen in den Kunst- und Kulturstandort Wien stets lohnen. Wir schaffen die Voraussetzungen dafür, dass herausragende Häuser wie das MusikTheater an der Wien künstlerisch frei arbeiten und zugleich wirtschaftlich nachhaltig agieren können. Kultur ist kein Luxus, sondern ein zentraler Teil der Wiener Lebensqualität – und das wird hier eindrucksvoll sichtbar.“
Kulturstadträtin Veronica Kaup-Hasler: „Das MusikTheater an der Wien hat sich mit seinem künstlerischen Mut, seiner programmatischen Vielfalt und seiner kompromisslosen Qualität einen festen Platz unter den führenden Opernhäusern der Welt erarbeitet. Diese internationale Auszeichnung zeigt, dass Wien als Stadt der Musik nicht nur auf Tradition setzt, sondern kreativ die Erneuerung und die Offenheit für zeitgenössische Ausdrucksformen des Musiktheaters vorantreibt.“
Wien Holding-Geschäftsführer Dr. Kurt Gollowitzer: „Das MusikTheater an der Wien verbindet Tradition und Moderne auf höchstem Niveau. Diese Auszeichnung ist eine großartige internationale Anerkennung für die künstlerische Qualität und die kulturelle Strahlkraft der Vereinigten Bühnen Wien. Sie zeigt, dass Wien als Musikstadt auch auf der globalen Opernbühne Maßstäbe setzt.“
Prof. Dr. Franz Patay: „Dieser Preis erfüllt uns mit tiefer Dankbarkeit. Das Theater an der Wien ist ein Raum, in dem Emotionen zu Klang werden – und wir sind dankbar, Teil dieser Welt sein zu dürfen. Unser herzlicher Dank gilt unseren KünstlerInnen, unserem Team, unseren MentorInnen, der Stadt Wien und dem Publikum, das unsere Kunst lebendig macht.“
Intendant Stefan Herheim: „Dem Scheitern politischer und ökonomischer Zugriffe auf die Welt gilt es mehr denn je ästhetische Zugänge entgegenzusetzen. Zugleich sind die Ambitionen des Musiktheaters, mit allen Mitteln der Kunst Schönheit zu vermehren, mehr denn je vom Teamwork und vom Bekenntnis aller Beteiligten zum universalen Geist dieses Unterfangens abhängig. Ich bedanke mich herzlich bei allen, die solche Errungenschaften am MusikTheater an der Wien ermöglichen, und freue mich sehr über die Anerkennung und Wertschätzung unserer Arbeit.“
https://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2025/11/53601_Giorgos_Koumendakis__Dr_Franz_Patay__Dr_Lina_Mendoni_and_Stefan_Herheim_-_photo_GNO__c__Akriviadis_Charis-1-scaled-e1763120499894.jpg17072342Christoph Seidlhttps://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2023/06/WMF_logo_black-on-white_web.pngChristoph Seidl2026-01-07 07:38:002026-01-07 09:32:33Opern-Oscar geht nach Wien – das MusikTheater an der Wien wurde als „Opernhaus des Jahres“ bei den International Opera Awards in Athen ausgezeichnet
Die Rolle der Prinzessin Anna in DIE EISKÖNIGIN bewegt seit der Premiere des Disney Films Millionen von Menschen weltweit: Sie ist mutig, humorvoll, impulsiv und zeigt ein großes Herz – vor allem für ihre Schwester Elsa.
Auf der Bühne des Disney Musicals DIE EISKÖNIGIN begibt sich Anna auf eine emotionale Reise voller Abenteuer, Selbstvertrauen und bedingungsloser Liebe. Ihre Rolle verlangt von den Darstellerinnen enorme Vielseitigkeit: Mitreißender Gesang, intensives Schauspiel und tänzerische Leichtigkeit treffen auf eine Figur, die das Publikum gleichzeitig zum Lachen bringt und tief berührt.
Kim Fölmli und Lyssa Tejero in der Rolle der Anna im Disney-Musical DIE EISKÖNIGIN im Stage Apollo Theater in Stuttgart
Seit August 2025 sind Kim Fölmli als Anna und Lyssa Tejero als Anna (alternierend) im Disney-Musical DIE EISKÖNIGIN im Stage Apollo Theater in Stuttgart zu sehen.
Kim Fölmli, die das Publikum bereits als alternierende Prinzessin Anna verzaubert hat, wechselt in die Erstbesetzung und Lyssa Tejero tauscht den Dschungel im Disney Musicals TARZAN® gegen die magische Eiswelt und übernimmt alternierend die Rolle der Anna.
Für Kim Fölmli geht ein Herzenswunsch in Erfüllung: „Als alternierende Anna kenne ich die Rolle ja schon sehr gut, dennoch ist es eine große Ehre für mich, jetzt die Hauptrolle zu übernehmen. Anna zu spielen, ist ein absoluter Traum! Sie ist eine so quirlige und lustige Person, beweist zugleich aber auch sehr viel Mut und gibt niemals auf. Ihre Energie, ihre Courage und ihr Humor inspirieren mich jeden Abend aufs Neue. Ich freue mich riesig, das Publikum weiterhin mit auf Annas abenteuerliche Reise zu nehmen und diese wunderschöne Geschichte live zu erzählen.“
Lyssa Tejero, die seit 2023 im Cast des Disneys Musicals TARZAN® im Stage Palladium dabei war – zuerst im Ensemble, später als Cover Jane und Cover Kala, freut sich über ihre neue Rolle: „Ich begeistere mich sehr für Rollen, die eine Kombination aus Emotion und Humor beinhalten. Bei TARZAN® konnte ich mich in der Rolle der Jane bereits auf diese Art und Weise ausdrücken – besonders haben mir dabei die lustigen Slapstickmomente gefallen, da sie eine spannende Herausforderung darstellen. Es macht sehr viel Spaß, mit der eigenen Mimik, Gestik und Stimme zu spielen, um den Witz herauszukitzeln. Dabei gibt es jedoch auch Grenzen, die man nicht überschreiten darf: Als Schauspielerin muss man versuchen, die Pointe genau zu treffen und gleichzeitig der Geschichte, die man erzählt, treu zu bleiben. Anna zu spielen, bedeutet aber noch mehr für mich. Ganz besonders ist es, dass ich z.B. die Wärme von Kala bei TARZAN® in diese Rolle einbringen kann, denn im Grunde will Anna ihre Schwester und andere Menschen in ihrer Umgebung beschützen und ihre Liebe mit ihnen teilen. Die Rolle der Anna gibt mir die Möglichkeit, wahre Emotionen mit komödiantischen Momenten zu verbinden und Menschen damit ein Lächeln ins Gesicht zu zaubern”
Über Kim Fölmli
Kim Fölmli absolvierte 2019 ihre Musicalausbildung an der Royal Central School of Speech and Drama in London. Anschließend war sie im Ensemble und als Cover von Sarah beim deutschen Kultmusical Tanz der Vampire in Oberhausen und Stuttgart zu sehen. 2023/24 stand sie als Swing und Cover von Schwester Mary Robert bei Sister Act in Zürich auf der Bühne, bevor sie im Sommer 2024 die Titelrolle von Heidi – Das neue Musical auf der Walensee-Bühne übernahm. Neben ihrer Tätigkeit als Musicaldarstellerin arbeitet Kim an ihrem eigenen musikalischen Soloprojekt Kim Dekker.
Über Lyssa Tejero
1999 in den Niederlanden geboren, schloss Lyssa Tejero 2021 ihr Studium am Königlichen Konservatorium in Brüssel mit dem Bachelor ab. Bevor sie nach Stuttgart kam, war sie unter anderem als Luisa Contini in Nine (Brüssel, 2019), im Ensemble von Blood Brothers (Brüssel, 2021), als Maureen Johnson in Rent (Antwerpen, 2021) sowie als Ali und Cover von Sophie in Mamma Mia! (Hamburg, 2022/23) zu sehen. Nach zwei Jahren bei Disneys TARZAN® im Ensemble (2023/24), als Swing (2024/25) sowie als Cover von Jane und Kala freut sich Lyssa nun darauf, auf die andere Straßenseite zu wechseln und Anna in Disneys DIE EISKÖNIGIN zu verkörpern.
Die Cast
Elsa: Ann Sophie, Mercedesz Csampai (alternierend) Anna: Kim Fölmli, Lyssa Tejero (alternierend) Kristoff: Jonathan Hamouda Kügler Olaf: Kaj-Louis Lucke Sven: Artem Salastelnyk, Paolo Ava Pitzbühl: Eric Minsk Prinz Hans: Simon Loughton
Ensemble: Deike Darrelmann (Cover Anna), Lucina Scarpolini (Cover Elsa), Vikrant Subramanian (König Agnarr, Cover Kristoff), Andreas Nützl (Cover Prinz Hans, Cover Kristoff), Arletta Boland (Cover Königin Iduna, Cover Bulda), Kees Nieboer (Cover Prinz Hans), Lucas Cândido (Cover Pitzbühl, Cover Olaf), David Hegyi (Pabbie), Lanie Sumalinog (Königin Iduna), Meltem Ürküt (Bulda), Stefan Tolnai (Oaken), Victor Reyes Cruz (Cover Pabbie), Alfonso Maria Mottola, Camilla Anna Esposito, Fabiana Denicolo, Elise Caillet – – Filin, Gianmarco Grasso, Madeline Jackson, Noemi Marta
Das Disney-Musical DIE EISKÖNIGIN – nach der Broadway-Premiere im März 2018 wurde das Musical zum Musical-Hit
Das Disney-Musical DIE EISKÖNIGIN feierte seine Broadway-Premiere im März 2018 und wurde schnell zu einem Musical-Hit.
Seit November 2024 läuft das Disney-Musical im Stage Apollo Theater in Stuttgart mit veränderter Cast.
Die wundervolle Geschichte der zwei Schwestern, die anders, aber doch so gleich sind, begeistern in Stuttgart nicht nur Kinder, sondern ganze Familien, Disney-Fans und Musical-Liebhaber.
Bei Disneys DIE EISKÖNIGIN verwandelt sich das Theater in eine Welt aus Eis und Schnee, mit Rentieren und Schneemännern, die mithilfe von Puppeteers lebendig werden – begleitet von der einzigartigen und vielfach ausgezeichneten Musik, den traumhaften Songs (wie z.B. „Let it Go“), einer magischen Choreographie und exklusiven Effekten.
DIE EISKÖNIGIN enführt das Publikum auf eine Reise in eine geheimnisvolle und faszinierende Eiswelt – und in eine Story voller Mut und großer Gefühle.
Die magische Welt von Elsa und Anna in der traumhaften Ausstellung „EISWELT“ im Stage Apollo Theater erleben
Für Fans, die noch tiefer in Arendelles Welt voller Magie, Freundschaft und unvergesslicher Momente eintauchen möchten, bietet Stage Entertainment mit „EISWELT“ vom 08.07. bis 13.09.2025 eine traumhafte Ausstellung im Stage Apollo Theater, in der Kostüme, Requisiten und weitere Überraschungen von Königin Elsa, Prinzessin Anna und dem liebenswerten Schneemann Olaf zu sehen sind.Die Cast
Die Story
Elsa, eine von zwei Prinzessinnen, wird mit magischen Kräften geboren. Doch aus aus der spielerischen Magie wird bald ein ernstes Spiel: Als Elsa ihre Schwester Anna verletzt, beschließen ihre Eltern nicht nur das Schloss, sondern auch die beiden Schwestern voneinander zu isolieren. Die Geschichte nimmt ihren Lauf, als das Königspaar ein paar Jahre später verunglückt und Elsa zur Thronfolge antritt. Aus Angst vor ihrer unkontrollierbaren Magie und dessen Folgen, flüchtet Elsa aber in die Berge. Auf der Suche nach ihrer großen Schwester macht Anna abenteuerliche, lustige Bekanntschaften mit dem Schneemann Olaf, Sven, dem Rentier und Kristoff.
Die Filmvorlage als Basis des Erfolgsmusicals
Das Musical DIE EISKÖNIGIN basiert auf dem Film „Die Eiskönigin – Völlig unverfroren“, der lange Zeit der erfolgreichste Animationsfilm überhaupt war und erst durch „Die Eiskönigin 2“ abgelöst wurde. Der erste Teil des Films wurde ab 2013 in den Kinos gespielt und gewann vielerlei Auszeichnungen, unter anderem als bester Animationsfilm, sowie für den besten Song: „Let it go“. Am 17. August 2017 wurde das Musical DIE EISKÖNIGIN in Denver uraufgeführt und feierte am 22. März 2018 seine Broadway-Premiere im St. James Theatre. Als „Bestes Musical“ für einen Tony Award nominiert fanden 2021 die Premieren im Londoner West End und danach im November 2021 in Hamburg statt.
Das Disney Musical DIE EISKÖNIGIN
Songs und Texte: Kristen Anderson-Lopez und Robert Lopez Buch: Jennifer Lee Regie: Michael Grandage Choreographie: Rob Ashford Bühnen- und Kostümdesign: Christopher Oram Künstlerische Leitung: Dorina Maltschewa
https://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2025/09/Disneys-DIE-EISKOeNIGIN-Kim-Foelmli-in-der-Rolle-der-Prinzessin-Anna-Credits-Johan-Persson-Stage-Entertainment-e1762506339260.jpeg4501150Christoph Seidlhttps://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2023/06/WMF_logo_black-on-white_web.pngChristoph Seidl2026-01-06 18:11:002026-04-07 19:38:37Kim Fölmli und Lyssa Tejero in der Rolle der Anna im Disney-Musical DIE EISKÖNIGIN im Stage Apollo Theater in Stuttgart
Die Eröffnung des modernen Musicalhaus mit rund 1.800 Sitzplätzen, das internationale Produktionen nach Wien bringen soll, ist für November 2027 geplant.
Finanzstadträtin Barbara Novak, NEOS-Wirtschaftssprecher Markus Ornig, Bezirksvorsteher des 2. Bezirks Alexander Nikolai, Joachim Hilke (CEO ATG Entertainment Central Europe) und Matthias Prichzi (Geschäftsführer ATG-Live GmbH) gaben gemeinsam das Signal für den Baubeginn eines neuen kulturellen Wahrzeichen Wiens.
Wirtschaftsfaktor, Nachhaltigkeit und Kulturerlebnis im Fokus
Barbara Novak (Stadt Wien – Stadträtin für Wirtschaft): „Mit dem Bau des ‚Theater im Prater‘ setzen wir ein starkes Zeichen für Wien als internationalen Kultur- und Wirtschaftsstandort. Dieses Projekt verbindet nachhaltige Stadtentwicklung mit kultureller Exzellenz – und schafft dabei rund 400 neue Arbeitsplätze und wird jährliche Wertschöpfung von etwa 100 Millionen Euro generieren. Durch das innovative Partnerschaftsmodell zwischen Stadt und privatem Engagement entsteht ein neuer kultureller Anziehungspunkt, ein ökologisch durchdachter Ort und bringt dadurch neue Impulse für Tourismus und Gastronomie,“
Markus Ornig (NEOS-Wirtschaftssprecher): „Der Spatenstich für das neue ‚Theater im Prater‘ ist ein wichtiges Signal für den Wirtschafts- und Kulturstandort Wien. Dieses Projekt ist nicht nur ein bedeutender Impuls für die lokale Wertschöpfung, sondern stärkt auch Wiens Rolle als internationale Kulturmetropole und attraktive Tourismusdestination. Wir brauchen diese Vision und den Gestaltungswillen, um Wien im internationalen Wettbewerb an der Spitze zu halten.“
Alexander Nikolai (Bezirksvorsteher des 2. Bezirks): „Der Prater ist immer ein Ort der Freude und des Staunens – mit dem neuen Theater bekommt er auch eine moderne Bühne dafür, die dazu passt“
Joachim Hilke (CEO von ATG Entertainment Central Europe): „Wir schaffen einen Ort, an dem Kunst, Musik und Emotionen auf einzigartige Weise verschmelzen“
Matthias Prichzi (Geschäftsführer des ATG Entertainment Standortes in Wien): „Nachhaltigkeit ist für uns kein Schlagwort, sondern ein zentraler Bestandteil dieses Projekts. Wir setzen auf energieeffiziente Technologien, langlebige Materialien und eine Bauweise, die ökologische Verantwortung mit ästhetischem Anspruch verbindet.“
ATG Entertainment präsentierte das architektonische Design von Wiens modernstem Musicaltheater
Das „Theater im Prater“ wird von den internationalen Architekturbüros Haworth Tompkins (London) und Dietrich Untertrifaller DTFLR (Wien) als Architektur-Kooperation umgesetzt und soll mit seinem innovativen, nachhaltigen und inklusiven Design neue Standards im modernen Theaterbau schaffen.
Das moderne Theater mit 1.800 Sitzplätzen stellt das größte privat finanzierte Theaterbauprojekt Österreichs der letzten 100 Jahre dar. Laut Marktanalyse der ICG Integrated Consulting Group und dem Institut für Verwaltungsmanagement soll das „Theater im Park“ jährlich etwa 157 Millionen Euro an Wertschöpfungseffekt generieren.
Die visionäre Architektur des „Theater im Park“ mit internationalem Anspruch und Nachhaltkeit & Inklusion im Mittelpunkt
Die renommierten Architektenbüros Haworth Tompkins (London) und Dietrich Untertrifaller DTFLR (Wien) schaffen mit dem „Theater im Prater“ in enger Kollaboration ein Theaterhaus, das Wiener Tradition und globale Expertise verbindet.
Das mit dem Stirling Prize ausgezeichnete Büro Haworth Tompkins bringt jahrzehntelange Erfahrung aus über 30 Theaterprojekten weltweit ein, während DTFLR für nachhaltige und innovative Architektur mit starker regionaler Verankerung steht.
Als zentrale Werte stehen Nachhaltigkeit, Barrierefreiheit und Inklusion im Fokus der Planungsphilosophie. Das Gebäude wird mit modernster energieeffizienter Haustechnik ausgestattet und setzt auf langlebige, ressourcenschonende Materialien. Besonderes Augenmerk liegt auf inklusivem Design für Menschen mit verschiedenen Bedürfnissen.
Tom Gibson (Associate Director bei Haworth Tompkins): „Das Theater im Prater vereint unsere internationale Expertise im Theaterbau mit einem Fokus auf höchste Ansprüche an nachhaltiger Architektur. Wir schaffen einen Ort, an dem sich Wiener Charme und internationale Theatertradition zu einem einzigartigen kulturellen Erlebnis verbinden. Die enge Zusammenarbeit mit DTFLR ermöglicht es uns, lokale Sensibilität mit globaler Theaterperspektive zu vereinen.“
Die Planung folgt vier wesentlichen Grundsätzen: Nachhaltigkeit durch moderne Gebäudetechnik und ökologische Materialien, inklusives Design für barrierefreien Zugang, Transparenz und Dialog mit der Nachbarschaft und der Praterumgebung sowie regionale Wertschöpfung durch die Zusammenarbeit mit Wiener und österreichischen Partnern.
Christina Kimmerle (Senior Projektleiterin bei DTFLR): „Dieses Projekt zeigt, wie zeitgemäße Theaterarchitektur aussehen kann: ökologisch verantwortlich, sozial inklusiv und städtebaulich sensibel. Wir entwickeln nicht nur ein Gebäude, sondern einen lebendigen Kulturort, der sich respektvoll in das historische Prater-Ensemble einfügt und gleichzeitig mutige architektonische Akzente setzt.“
Über Haworth Tompkins
Das mit einem Stirling Prize ausgezeichnete Londoner Architekturbüro Haworth Tompkins bietet ein breites Portfolio und genießt international einen ausgezeichneten Ruf. Mit über 30 realisierten Theaterprojekten zählt das Büro zu den weltweit führenden Theaterarchitekten. Haworth Tompkins hat mehr als dreißig Projekte für die darstellenden Künste entworfen, die gemeinsam haben, dass sie lebendige, einladende Räume weltweit zu den architektonisch renommiertesten Gebäuden zählen. Das Büro wurde 1991 von Graham Haworth und Steve Tompkins gegründet.
Über Dietrich Untertrifaller DTFLR
Dietrich Untertrifaller (DTFLR) ist ein international tätiges Architekturbüro mit Wurzeln in Vorarlberg. Ein Team aus über 140 Mitarbeiterinnen entwickelt in einem interdisziplinären Prozess auf Augenhöhe mit den Auftraggeberinnen und Fachplaner*innen zeitgemäße Lösungen. Das Büro wurde 1994 von Helmut Dietrich und Much Untertrifaller gegründet. Seit November 2023 sind Dominik Philipp, Patrick Stremler und Much Untertrifaller alleinige Gesellschafter. DTFLR steht für den respektvollen Umgang mit Ressourcen und den kontinuierlichen Dialog mit den Menschen, für die gebaut wird.
Realisierung des „Theater im Prater“ in strategischer Allianz mit der Stadt Wien und der Wien Holding
Das größte privat finanzierte Theaterprojekt der vergangenen 100 Jahre wurde im Rahmen einer Pressekonferenz von Joachim Hilke (CEO Europe der ATG Entertainment), Peter Hanke (Stadtrat der Stadt Wien), Walter Ruck (Präsident der Wirtschaftskammer Wien) und Kurt Gollowitzer (Geschäftsführer der Wien Holding) vorgestellt.
Der neue Entertainment-Hotspot im traditionsreichen Wiener Prater vereint auf einzigartige Weise privatwirtschaftliches Kulturengagement mit höchsten Nachhaltigkeitsstandards und mit dem Theaterbau sollen neue kulturelle und wirtschaftliche Impulse in der Musicalszene gesetzt werden.
ATG Entertainment empfindet die Möglichkeit, in Europas Musicalhauptstadt Wien ein völlig neues Theater zu errichten, als besondere Auszeichnung und trägt die Herstellungskosten des Theater im Prater alleine.
Der einzigartige Kulturstandort, der maßgeblich durch die herausragende Arbeit der Vereinigten Bühnen Wien geprägt wurde, inspiriert dabei zu innovativen Konzepten. ATG Entertainment versteht sich bei diesem Projekt als aktiver Gestalter der Kulturlandschaft, der in enger Zusammenarbeit mit allen Partnern das „Theater im Prater“ zu einem lebendigen Ort der Begegnung entwickeln und damit die kulturelle Strahlkraft Wiens weiter stärken wird.
Über ATG Entertainment
ATG Entertainment ist ein globaler Marktführer der Live-Unterhaltung. Das Unternehmen betreibt bereits 71 renommierte Spielstätten weltweit und erreicht jährlich über 18 Millionen Zuschauer*innen. In Großbritannien gehören historische West End-Theater wie das Duke of York’s, Harold Pinter, Piccadilly, Savoy und das Apollo Victoria zum Portfolio. In den USA betreibt ATG sieben Broadway-Häuser, darunter das Lyric Theatre und das August Wilson Theatre. In Deutschland gehören der historische Admiralspalast Berlin, das Starlight Express Theater Bochum und der Musical Dome Köln zum Portfolio. Letzterer begeistert derzeit mit „Moulin Rouge! Das Musical“ das Publikum.
https://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2025/11/2025-10-ATG-Spatenstich-Credits-Gerhard-Fally.jpg13342000Christoph Seidlhttps://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2023/06/WMF_logo_black-on-white_web.pngChristoph Seidl2026-01-06 10:33:002026-01-07 10:28:07Spatenstich für das „Theater im Prater“ – Wiens modernstes Musicaltheater
Bevor am 18. Dezember 2025 die große Europa-Premiere in Wien stattfindet, traf DIE CHER SHOW Hauptdarstellerin Sophie Berner bei der BAMBI-Gala 2025 am 13. November 2025 auf die Pop-Ikone selbst.
Cher wurde im Rahmen der BAMBI-Preisverleihung in der Kategorie „Legende“ für ihr künstlerisches Lebenswerk und ihr humanitäres Engagement ausgezeichnet.
Live auf der BAMBI-Bühne performte Sophie Berner als Hommage an Cher den Welthit „If I Could Turn Back Time“ – im Beisein der „Göttin des Pop“ sowie weiterer Weltstars wie Cate Blanchett, Heidi Klum und Naomi Campell.
Nach ihrer Performance traf Sophie Berner dann auch auf Cher selbst und erhielt von der Ausnahmekünstlerin persönlich ihren Segen und zwei kraftvolle Worte als Mantra für die anstehende Tour: „Be strong!“
Sophie Berner: „Ihr Blick war wie ein Segen. Sie hat meine Stimme gehört, mich wirklich gesehen – und jetzt erzählen wir ihre Geschichte.“
Showslot präsentiert DIE CHER SHOW – das offizielle Musical von und über Cher
Der bewegende Auftritt von Sophie Berner war der emotionale Auftakt für die große Musical-Tour von DIE CHER SHOW, die vom 18. Dezember 2025 bis 15. März 2026 durch Österreich und Deutschland führt.
Das Musical begeistert das Publikum mit 35 legendären Hits wie Believe, If I could turn Back Time und Strong Enough, den legendären Original-Kostümen von Emmy Preisträger Bob Mackie und dem einzigartigen Konzept von Grammy-Preisträger Rick Elice: 3 Chers, die jeweils für eine Lebensphase stehen, in der sie träumt, zweifelt und kämpft. DIE CHER SHOW erzählt die Geschichte von Cher – ein Leben voller Glamour mit ihrem unverwechselbaren Disco-Sound – und sorgt für ein Feuerwerk aus Musik, Tanz und Mode.
Die verschiedenen Lebensphasen der vielfach ausgezeichneten Künstlerin – von den Anfängen an der Seite von Sonny Bono bis hin zur glamourösen Stilikone von heute – werden von den drei Hauptdarstellerinnen Sophie Berner, Hannah Leser und Pamina Lenn dargestellt.
Das Musical feiert seine Premiere am 18. Dezember 2025 in der Wiener Stadthalle und macht danach Station in Linz, Graz, Nürnberg, Bremen, Köln, Frankfurt, Dresden, Hamburg, München, Duisburg und Berlin.
DIE CHER SHOW – die Musical-Tour-Termine in Österreich und Deutschland
Über ShowSlot – unterwegs in der europäischen Musiktheaterszene
Emotion meets Innovation meets Wow – das junge, dynamische Entertainment-Label ShowSlot aus Frankfurt am Main ist seit 2017 mit innovativen Live-Produktionen in der europäischen Musiktheaterszene unterwegs. ShowSlot steht für Top-Brands, höchste Produktionsqualität und ein New-Generation Look & Feel.
Ob Deutschlandpremieren großer Broadway-Erfolge (z. B. GREEN DAYS AMERICAN IDIOT und DAS SPONGEBOB MUSICAL), Europa-Tourneen von diversen Welt-Hits (z. B. SISTER ACT, FLASHDANCE, GHOST – NACHRICHT VON SAM und SATURDAY NIGHT FEVER), deutschsprachige Show-Entwicklungen (z. B. FACK JU GÖHTE und EINE WEIHNACHTSGESCHICHTE NACH CHARLES DICKENS) sowie Eigenproduktionen (z. B. MAGICAL SING ALONG und BROADWAY MEETS POP) – ShowSlot schafft unvergessliche Erlebnisse, die berühren, mitreißen und für immer in Erinnerung bleiben.
Hinter den Kulissen entwickeln, produzieren und veranstalten rund 60 begeisterte Köpfe mit Herzblut, Kreativität und Teamgeist über 700 Shows pro Spielzeit in einer europaweit beispiellosen Produktionsinfrastruktur. ShowSlot verbindet den Spirit eines agilen Start-ups mit der jahrzehntelangen Erfahrung und wegweisenden Expertise vieler Branchenprofis.
https://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2025/12/DIE-CHER-SHOW-Cher-trifft-Cher-Bambi-Credits-Jonathan-Steinbiss-1-scaled-e1766645476384.jpg17831920Christoph Seidlhttps://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2023/06/WMF_logo_black-on-white_web.pngChristoph Seidl2026-01-04 07:52:002026-01-04 22:16:03Sophie Berner, die Hauptdarstellerin in DIE CHER SHOW trifft „Pop-Ikone“ Cher bei der BAMBI-Gala 2025
Wir Musical-Fans im Interview mit der Musicaldarstellerin Milica Jovanovic.
Milica Jovanovic wurde in Nordrhein-Westfalen (Deutschland) geboren.
Sie schloss nach ihrem Abitur ihr Musicalstudium an der Bayerischen Theaterakademie August Everding mit Auszeichnung ab und erhielt ein Stipendium an der Royal Academy of Music in London.
Schon während ihres Studiums sang sie am Münchner Staatstheater am Gärtnerplatz und war nach ihrem Studienabschluss fünf Jahre lang Ensemblemitglied am Staatstheater in München – u.a. als Papagena in der Zauberflöte und als Eliza in My Fair Lady.
Anschließend startete sie ihren weiteren künstlerischen Weg als freie Sängerin.
U.a. war Milica schon zu sehen als Magnolia in Show Boat und als Kate in Kiss Me, Kate bei den Bad Hersfelder Festspielen, als Betty Schaefer in Sunset Boulevard in Magdeburg, als Evita am Hessischen Staatstheater in Wiesbaden, am Salzburger Landestheater als Maria in The Sound of Music und als Elisabeth in Meine Stille Nacht und als Lisa Carew in Jekyll & Hyde am Theater Dortmund.
An den Vereinigten Bühnen Wien war Milica als Christine in der deutschsprachigen Erstaufführung von Love Never Dies (Andrew Lloyd Webber), als Winifred Banks in der deutschsprachigen Erstaufführung von Mary Poppins und als Eleonore Schikaneder in Schikaneder und bei den Freilichtspielen Tecklenburg als Guinevere in Artus – Excalibur, als Ich in Rebecca, als Fantine in Les Misérables, als Gina in Don Camillo & Peppone und als Lara in Doktor Schiwago zu sehen.
Das Interview mit Milica Jovanovic wurde im Mai 2022 geführt.
War es immer dein Ziel, auf der Bühne zu stehen oder hattet du einen anderen Berufswunsch?
Als Mädchen wollte ich Ballerina werden, dann im Orchestergraben sitzend Geige spielen, bis ich mit siebzehn Jahren an einem Musical-Workshop in den Sommerferien teilnahm, der alles veränderte. Das Thema war „Rocky Horror Show“, ich sang ein Solo und war verzaubert. Ich fühlte wirklich die Bestimmung, mich mit meiner Stimme ausdrücken zu wollen.
Als Sängerin, Musikerin, Schauspielerin und Tänzerin kann ich meine vielen Leidenschaften im Musical vereinen.
Du hast an der Bayerischen Theaterakademie August Everding und der Royal Academy of Music in London studiert. Was nimmst du aus deinen Ausbildungen mit?
Auf jeden Fall Disziplin und viel Technik. Ich hatte sehr gute Lehrer:innen und bin dafür aus tiefstem Herzen dankbar. Aber auch jetzt lerne ich noch viel im Beruf, durchs Studieren meiner Kolleg:innen und durch die Arbeit mit inspirierenden Regisseur:innen und Musikalischen Leiter:innen.
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Was waren für dich die größten Herausforderungen in deiner ersten Zeit als Darstellerin?
Ich denke, darauf zu vertrauen, dass ich meinen Weg gehen werde. Dass Enttäuschungen dazu gehören, genau wie schillernde Premierenfeiern.
Was würdest du jemanden raten, der Musicaldarsteller/-in werden möchte? Eine gute Entscheidung oder lieber nochmals durchdenken?
Ich darf in meinem Traumberuf arbeiten und würde es wieder so machen. Ich habe die Erfahrung gemacht, dass Menschen, die wirklich auf die Bühne wollen, es auch auf die Bühne schaffen. Nur die Wege unterscheiden sich. Ich wurde auch erst bei meiner siebten Aufnahmeprüfung genommen. Die Fähigkeit, nach einer Niederlage aufzustehen, ist eine wichtige Charaktereigenschaft in unserem Business.
Was braucht man aus deiner Sicht, um im Musicalbusiness erfolgreich zu sein?
Was heißt Erfolg? Das definiert jede*r anders- wenn Erfolg heißt, dass die Person durchgehend beschäftigt ist, dann wären die Attribute meiner Meinung nach Talent, Disziplin, Resilienz, starke Nerven, eine gute Fitness, Teamfähigkeit und ein nettes Wesen.
Milica Jovanovic – Credits: Andrea Peller
Wie ist es so, in Rollen zu schlüpfen? Wie viel Milica steckt in jeder Rolle?
Ich liebe es, in Rollen zu schlüpfen und mich darin zu verlieren. Rollen, die ich in Uraufführungen kreieren durfte, sind mir sicherlich näher und gleichzeitig versuche ich, mit jeder Rolle eins zu werden. Die Schatten auszuloten. Den Riss zu finden.
Welche Rollen würden dich zukünftig besonders interessieren und warum?
Ach, irgendwann möchte ich gerne Norma Desmond und Golde in Anatevka spielen, weil ich diese Frauen spannend finde.
Ich muss ehrlich zugeben, dass ich mich auf jede Rolle freue, da ich mir meine Herausforderung suche. Die ist mir wichtig. Ich hätte zum Beispiel die Luisa Contini in „Neun“ nicht erwartet, da dieses Stück nicht so oft auf den Spielplänen steht. Und momentan bin ich mit voller Begeisterung in der Vorbereitung für Anna Leonowens für „Der König und ich“ in Mörbisch bei den Seefestspielen, auch ein eher selten gespieltes Stück. Ich bin ein großer Fan der „Golden Age“ – Musicals und freue mich daher riesig darauf.
Generell fällt mir ein Mangel an spannenden weiblichen Hauptrollen auf ab dem Spielalter 40 und da hoffe ich sehr auf neue Produktionen.
Was hältst du von Social Media? Zwingend notwendig für eine/n Künstler/in?
Für mich sind die sozialen Medien eine Möglichkeit, mich direkt mit Menschen zu verbinden und auch meinen Fans mitteilen zu können, wann ich wo spiele. So erlebe ich einen unmittelbaren Kontakt mit ihnen und freue mich über diesen Austausch.
Wie stehst du generell zum Thema „Vermarktung“ deiner Person? Wie wichtig ist Marketing und Kommunikation für dich als Musicaldarstellerin?
Ich denke schon, dass es wichtig ist für die Sichtbarkeit.
Von Caster*innen hörte ich schon öfter, dass Instagram zum Beispiel eine neue Art der Visitenkarte geworden ist. Daher sehe ich die Wichtigkeit in einer gut gepflegten Seite.
Wie wichtig sind „Fans“ im Musicalbusiness und wie sind deine bisherigen Erfahrungen mit Fans?
Ich habe bisher sehr nette Erfahrungen gemacht und auch viel Unterstützung erfahren. Einmal zum Beispiel verzweifelte ich auf einer Fahrt von Salzburg nach Magdeburg, da der Zug umgeleitet wurde und es Streckenabschnittssperrungen gab. Ich schrieb auf Facebook und Instagram von meinem Problem und meiner Sorge, es nicht pünktlich zur Vorstellung zu schaffen und mir wurde prompt Hilfe angeboten. Die liebe Susann holte mich, wenn ich mich richtig erinnere, in Halle ab und fuhr mich zum Theater. Das fand ich stark und ich fand es sehr schön, sie dadurch auch näher kennenzulernen.
An der Stagedoor führe ich auch gern und stets freundliche Gespräche. Seit ich Mutter bin, bekommt meine Kleine auch manchmal schöne Bücher geschenkt, darüber freuen wir uns sehr.
Hörst du privat auch gerne Musicals oder gibt´s da andere Musikstile, die dir gefallen?
Ich höre gern Musicals, besonders, wenn Audra McDonald oder Kelli O‘Hara singen, und auch gern Muse, die Beatles, Julie London, Ella Fitzgerald und neuerdings sehr oft den Lieblingssong meiner Tochter De Do Do Do, De Da Da Da von The Police und diverse Abba- Lieder.
Milica Jovanovic – Credits: Andrea Peller
Und welcher Song ist dein Lieblingssong?
„Till I hear see sing“ aus Love never dies.
Hast du einen Lieblingsfilm oder gibt´s mehrere Filme oder Genres, die du besonders magst?
Ich liebe die „Star Wars“ – Filme. Und als Serie gefielen mir jüngst sehr gut Bridgerton und Sex Education. Ich lese aber noch viel lieber.
Du beschäftigst dich persönlich auch mit veganer Ernährung. Wie wichtig ist gesunde Ernährung für dich als Person, aber auch für deinen Job als Künstlerin?
Ich ernähre mich vollwertig vegan und zu 99% biologisch. Wenn ich mich gesund ernähre, fühle ich mich besser, habe mehr Energie und regeneriere schneller nach dem Sport. Und Genuss und gesundes Essen schließen sich für mich nicht aus – mein Mann und ich kochen und experimentieren viel.
Wir abonnieren eine Biobox in Wien mit regionalem Obst und Gemüse und wir freuen uns sehr über den Geschmack direkt vom Feld.
Was ist dein Lebensmotto und warum?
Ich spreche oft dieses Mantra für Mitgefühl: Lokah Samastah Sukhino Bhavantu
Die Übersetzung: „Mögen alle Menschen und Lebewesen glücklich und frei sein. Mögen alle meine Worte, Taten und Gedanken zu diesem Glück und dieser Freiheit beitragen.“
Mit voller Kraft startet das Theater Magdeburg unter dem Motto „Theater ist Utopie. Theater ist Poesie.“ in die Spielzeit 2025/26. Dabei setzt das Haus unter der Leitung von Generalintendant Julien Chavaz erneut auf ein ambitioniertes, vielseitiges Programm.
Insgesamt 25 Premieren sind geplant: darunter 9 Musiktheater-, 13 Schauspiel- und 3 Ballett-Produktionen – darunter 11 Uraufführungen (6 im Schauspiel, 3 im Ballett, 2 im Konzertbereich).
Bei Spielzeit-Pressekonferenz 2025/26 am Podium waren
Clemens Leander, Bastian Lomsché, Clara Weyde (Schauspieldirektion)
Jörg Mannes (Ballettdirektor)
Der Vorverkauf für Musiktheater, DomplatzOpenAir, Ballett, Konzerte sowie die Premieren im Schauspielhaus starteten bereits am 21. Mai 2025, die Schulvorstellungen des Weihnachtsmärchens gingen am 3. September in den Verkauf.
Beim DomplatzOpenAir war kein Vorverkauf jemals so früh ausverkauft wie bei der Produktion „The Addams Family 2025“ – denn bereits 99 % der Karten waren am 22. Februar verkauft (im Jahr davor waren es zu diesem Datum nur 70 %).
Die Neuigkeiten der Spielzeit 2025/2026
In der Spielzeit 2025/2026 darf sich das Publikum auf zahlreiche spannende Künstler:innen und kreative Köpfe freuen, die das Theater Magdeburg prägen werden.
Regie-Shootingstar Jan Friedrich (*1992 in Lutherstadt Eisleben) verbindet mit dem Theater Magdeburg bereits eine erfolgreiche Zusammenarbeit. Seine Inszenierung Blutbuch wurde 2024 zum Festival „Radikal jung“ nach München eingeladen und mit dem Publikumspreis ausgezeichnet. 2025 folgten die Nominierung für den Nachspielpreis beim Heidelberger Stückemarkt sowie die Einladung zum Berliner Theatertreffen als eine der außergewöhnlichsten Inszenierungen des Jahres. Auch seine Tschechow-Überschreibung Onkel Werner wurde zu den Autor:innenTheaterTagen am Deutschen Theater Berlin eingeladen. Gemeinsam mit Schauspieldirektorin Clara Weyde prägt Friedrich das Schauspiel des Theater Magdeburg maßgeblich – ästhetisch wie politisch. Mit der Uraufführung des für den Deutschen Buchpreis nominierten Romans Von Norden rollt ein Donner von Markus Thielemann setzt er seine Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Abgründen fort und packt den deutschen Nationalismus an der Wurzel.
Mit Sebastian Nübling (*1960 in Lörrach) gewinnt das Theater Magdeburg einen der profiliertesten Regisseure des deutschsprachigen Theaters. Nübling studierte Kulturwissenschaften in Hildesheim, gründete die freie Gruppe „Theater Mahagoni“ und sorgte 2001 mit dem Hooligan-Drama I Furiosi am Staatstheater Stuttgart für Aufsehen. 2002 wurde er mit seiner Basler Inszenierung von Ibsens John Gabriel Borkman erstmals zum Berliner Theatertreffen eingeladen und von Theater heute zum Nachwuchsregisseur des Jahres gewählt. Seine Arbeiten waren seither regelmäßig auf internationalen Festivals zu sehen. Als Hausregisseur am Maxim Gorki Theater Berlin prägte er eine ganze Generation politisch wachen Theaters. Er inszeniert regelmäßig Werke von Simon Stephens und Sibylle Berg – und wird in der Spielzeit 25/26 erstmals am Theater Magdeburg Regie führen.
Im Konzertbereich steht Elizabeth Ogonek (*1989 in Anoka, Minnesota) als Composer in Focus im Mittelpunkt. Die in New York lebende Komponistin studierte in Bloomington, Los Angeles und London und war zwischen 2015 und 2018 Composer in Residence beim Chicago Symphony Orchestra. Ihre „schimmernden“ und „dramatischen“ Werke wurden unter anderem vom London Symphony Orchestra, Royal Philharmonic Orchestra und Deutschen Symphonie-Orchester Berlin aufgeführt. In Magdeburg sind ihre atmosphärisch dichten, bewegenden Kompositionen nun in vier Sinfoniekonzerten mit der Magdeburgischen Philharmonie zu erleben.
Mit Adele Thomas (Port Talbot, Wales) kommt eine international gefeierte Opernregisseurin nach Magdeburg. Seit 2025 ist sie gemeinsam mit Sarah Crabtree Ko-Intendantin der Welsh National Opera. Für ihre Arbeiten Berenice (Händel) und Bajazet (Vivaldi) wurde sie für den Olivier Award nominiert und 2022 mit dem International Opera Award ausgezeichnet. Mit Wagners Tannhäuser eröffnet sie die Spielzeit 25/26 am Theater Magdeburg und zeigt einen hochdynamischen, körperlich intensiven und visuell eindrucksvollen Blick auf den zerrissenen Helden zwischen irdischer Versuchung und himmlischer Erlösung.
Das Theater Magdeburg startet die Saison am 13. September 2025 mit neuen Gesichtern im Musiktheater-Ensemble und in der künstlerischen Vermittlung
Das Musiktheater-Ensemble erhält in dieser Saison Verstärkung durch András Adamik (Tenor), Vincent Casagrande (Bariton) und David Howes (Bass-Bariton). In der Künstlerischen Vermittlung stoßen Sophia Keßen (Bürger:innenBühne), Anneke Link (Musiktheater & Konzert, Klubkultur) und Patricia Woitaske (Schauspiel, Klubkultur) neu zum Team.
Am 13. September 2025 eröffnet ein großes Theaterfest im Opernhaus die neue Spielzeit. Besucher:innen können hinter die Kulissen blicken, Kurzprogramme aller Sparten erleben und am Abend im Schauspielhaus feiern. Am 14. September startet die Opernsaison mit Tannhäuser (Regie: Adele Thomas), gefolgt von den Schauspielpremieren Von Norden rollt ein Donner (Regie: Jan Friedrich) und Schrei, so laut du kannst (Regie: Juli Mahid Carly) am 20. September.
Das Programm 2025/2026 am Theater Magdeburg – mit Musiktheater, DomplatzOpenAir, Ballett, Konzerten und Schauspiel-Produktionen
Im Musiktheater stehen insgesamt neun Premieren auf dem Programm. Neben Tannhäuser (14.9.25) zählen dazu Clivia (9.11.25, Regie: Julien Chavaz), Der Barbier von Sevilla (24.1.26, Regie: Jean-François Sivadier), Leben mit einem Idioten (7.3.26, Regie: Julien Chavaz, Koproduktion mit der Opéra national de Lorraine), Pierrot lunaire (10.4.26, mit Kammersängerin Undine Dreißig, Regie: Christian Poewe), das Musical Scholl – Die Knospe der Weißen Rose (11.4.26, Regie: Titus Hoffmann), Manon (2.5.26, Dirigat: Christian Øland, Regie: James Bonas) sowie die Mitmach-Kinderoper Laika (31.5.26, Regie: Annemiek van Elst).
Das DomplatzOpenAir 2026 präsentiert Oklahoma! (Premiere 19.6.26, Regie: Erik Petersen) – ein klassisches Musical voller Energie, Tanz und großen Melodien.
Auch das Ballett begeistert in der kommenden Spielzeit mit spannenden Produktionen. Jörg Mannes bringt mit Ein Sommernachtstraum (Premiere 18.10.25) eine fantasievolle Shakespeare-Interpretation auf die Bühne. Der Doppelabend Drifting Out/Bolero (14.2.26) verbindet moderne Choreografien von Iratxe Ansa & Igor Bacovich sowie Yaron Shamir mit Musik von Missy Mazzoli und Maurice Ravel. Mit Der Sandmann (25.4.26) wagt Mannes in Kooperation mit dem Puppentheater Magdeburg eine atmosphärisch-düstere Mischung aus Tanz und Figurenspiel. Ergänzt wird das Programm durch ein Gastspiel des Centro Coreografico Nazionale/Aterballetto (Italien) und die Magdeburger Ballettgala.
Im Konzertbereich bietet die Magdeburgische Philharmonie zehn Sinfoniekonzerte und sechs Kammerkonzerte. Das 1. Sinfoniekonzert (25./26.9.25) markiert das erste Dirigat von Generalmusikdirektor Christian Øland. Weitere Highlights sind das 3. Sinfoniekonzert mit Uraufführungen von Moritz Eggert und Abdullah Jamal Sagirma in Kooperation mit dem IMPULS-Festival sowie das Wiedersehen mit Ex-GMD Francesco Corti im 7. Sinfoniekonzert. Ergänzt wird das Programm durch Familienangebote wie Spielplatz Musik, Musiklabor und Paddington Bärs erstes Konzert.
Das Schauspiel zeigt insgesamt 13 Premieren, darunter sechs Uraufführungen und eine Deutsche Erstaufführung. Zu den Highlights zählen Von Norden rollt ein Donner (20.9.25, Regie: Jan Friedrich), Schrei, so laut du kannst (20.9.25, Regie: Juli Mahid Carly), Schachnovelle (25.9.25, Regie: Alejandro Vallejo), Indien (21.11.25, Regie: Bastian Lomsché), Penthesilea (22.11.25, Regie: Alice Buddeberg) und das Weihnachtsmärchen Robin Hood (26.11.25, Regie: Paulina Neukampf). Weitere Produktionen sind Die Hölle auf Erden (23.1.26, Regie: Julia Prechsl), I miss you Beaver Creek (31.1.26, Regie: Bastian Reiber), Was ihr wollt (28.2.26, Regie: Clara Weyde), Schmutzige Hände (27.3.26, Regie: Carlotta Salamon), Pussyking and the Pirates (22.5.26, Cy Linke) sowie Drei Minuten (23.5.26, Regie: Sebastian Nübling, Text: Kevin Rittberger). Die Spielzeit schließt mit Monopoly – Die Revance (28.5.26, Solo von Calle Fuhr, in Kooperation mit dem Schauspiel Köln und FiscalFuture).
Improvisationen, Lesungen, Diskurse, Showabende und Angebote im Bereich Künstlerische Vermittlung
Ergänzend bietet das Theater Magdeburg Formate wie Improvisationen, Lesungen, Diskurse und Showabende. Die kuratierte Reihe Kosmos (Thea Hoffmann-Axthelm und Clemens Leander) stellt Szenografie und Theaterästhetik in den Mittelpunkt.
Im Bereich Künstlerische Vermittlung werden bestehende Formate wie die Bürger:innenBühne, die Spielklubs und die Theaterwoche unerhört fortgeführt. Neu ist die Kunstprojektwoche Bande 26 unter dem Motto „Was wäre, wenn“, die sich dem Thema „Hoffnung“ widmet. Kinder und Jugendliche übernehmen dabei eine Woche lang das Schauspielhaus und verwandeln ihre Utopien in erlebbare Gegenwartskonzepte.
https://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2025/10/TM-Logo.png13501080Christoph Seidlhttps://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2023/06/WMF_logo_black-on-white_web.pngChristoph Seidl2026-01-02 13:18:002026-01-07 22:31:55Die Spielzeit 2025/26 am Theater Magdeburg
Seit über 70 Jahren setzt sich die Jeunesse – Musikalische Jugend Österreichs als einer der führenden Musikveranstalter in Österreich für die Förderung von jungen Künstler:innen ein.
Die Jeunesse wurde nach dem Zweiten Weltkrieg als Friedensprojekt gegründet und verfolgt als Non-Profit-Organisation keine kommerziellen Ziele.
Als Teil von Jeunesses Musicales International, einem weltweiten Musiknetzwerk ist die Jeunesse auch international vernetzt und ermöglicht österreichweit professionelle Auftrittsmöglichkeiten und weiterführende Erfahrungen.
Das breit gefächerte, hochqualitative und innovative Programm – u.a. mit den Genres Klassik, Weltmusik, zeitgenössische Musik, Urban Jazz und avancierten Pop – setzt dabei auch auf ein vielfältiges Kinder- und Jugendangebot, um vor allem das junge Publikum anzusprechen.
Mit über 500 österreichweiten Konzerte und interaktiven Workshops für Eltern mit Babys, Kinder, Jugendliche, Familien und Erwachsene ist die Jeunesse Österreich eine wichtige Playerin im österreichischen Musikbusiness und bietet mit Standorten in Wien und an 21 weiteren Standorten auch ein musikalisches Bildungsangebot für Schulen und Kindergärten, um Kindergartenkindern und Schüler:innen einen niederschwelligen Zugang zur Musik zu ermöglichen.
Außerdem erhalten interessierte junge Musiker:innen im Alter von 9 bis 20 Jahren bei zwei Sommer-MusikCamps die Möglichkeit zum gemeinsamen Musizieren im Orchester, zur Fortbildung und zum Erfahrungsaustausch.
Mit der Konzertreihe Urban Fusion erhalten junge Künstler:innen und Bands eine Plattform für Clubkonzerte im Bereich Jazz/Soul/Pop/Hiphop mit aktuell vier Doppelkonzerten pro Jahr im Porgy & Bess in Wien.
https://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2024/01/Jeunesse-Logo.png10801080Christoph Seidlhttps://www.wirmusicalfans.com/wp-content/uploads/2023/06/WMF_logo_black-on-white_web.pngChristoph Seidl2026-01-02 12:51:002026-01-07 22:09:52Die Jeunesse – Musikalische Jugend Österreichs – Förderung von jungen Künstler:innen und Teil von Jeunesses Musicales International, einem weltumspannenden Musiknetzwerks
Nicolai Tegeler ist Schauspieler, Regisseur, Produzent, Filmemacher, Sprecher und Moderator.
Er wurde in Berlin geboren und startete mit 15 Jahren in einer Off-Theatergruppe. Erstmals stand er in einem TV-Dreh für die ARD in Dr. Sommerfeld – Neues vom Bülowbogen in einer Episodenhauptrolle vor der Kamera. Nach einem New York Aufenthalt studierte er von 2000 bis 2003 an der Fritz-Kirchhoff-Schule in Berlin und schloss seine Schauspielausbildung mit der Bühnenreife ab.
Nicolai Tegeler war bisher in zahlreichen Filmen zu sehen – u.a. in Drei Stern Rot, Pas de Deux, Encore une Fois, Close Enough – Zum Greifen nah, Sin Reaper 3D, The Deathroom, Ediths Glocken – Der Film, Zu den Sternen (Regie & Produktion) und The Vagabonds – und ist auch aus TV-Serien bekannt wie Fieber: Ärzte für das Leben, Alarm für Cobra 11 – Die Autobahnpolizei, Axel! will’s wissen, Grenze, Mörderischer Plan, Lasko: Die Faust Gottes, Chaos-Queens, Familie Dr. Kleist, Käthe und ich, Bettys Diagnose, SOKO Leipzig und In aller Freundschaft – Die jungen Ärzte.
Als Schauspieler arbeitete er u.a. an Bühnen wie dem Theater Magdeburg, dem Berliner Kabarett-Theater Die Stachelschweine und den Berliner Spielstätten Maxim-Gorki-Theater, Hansa Theater und BKA-Theater.
Zusammen mit der Volksbühne Michendorf holte Nicolai Tegeler den Jedermann (Hugo von Hofmannsthal) in die St. Nikolaikirche nach Potsdam. Dabei wirkte er nicht nur als Schauspieler, sondern auch als Produzent und gemeinsam mit Christian A. Schnell als künstlerischer Leiter. Im Herbst 2022 brachte er zusammen mit Sabine Crippa den Jedermann als Open Air nach Beelitz.
2009 gründete Nicolai Tegeler gemeinsam mit Alexander Kiersch die Filmproduktionsfirma Colafilm und übernahm 2016 die Produktion und Co-Regie von Ediths Glocken – der Film. Die trashig, lustige Weihnachtskomödie lief im Verleih von Edition Salzgeber auf verschiedenen Filmfesten und ist auch beim Streamingdienst Amazon Prime zu finden.
Mit Tobias York gründete Nicolai Tegeler die Filmproduktion I like Stories GmbH, die sich auf die Entwicklung, Durchführung und Produktion von fiktionalem Film, TV, Web und Streaming Produktionen fokussiert.
Beim Spielfilm Zu den Sternen, einer gemeinsamen Produktion von Cellophane Films und I like Stories, übernahm Nicolai Tegeler die Regie. Der Film lief auf unterschiedlichen Filmfestivals und war in Kinos in Deutschland und Österreich zu sehen. Der öffentlich-rechtliche Sender MDR kaufte die Lizenzrechte für 3 Jahre.
Nicolai Tegeler ist Sprecher/Synchronsprecher und spricht u.a. den Reporter Hutchinson Hatch bei der Hörspiel-Legende „Professor van Dusen“, den Alex Landi (als Dr. Nico Kim) in Grey’s Anatomy und den Matt Jones (als Douglas Wheeler) in Bob Hearts Abishola.
Außerdem moderiert er das Talk-Format „Tegeler trifft …“ bei Hauptstadt.TV, bei dem er den Zuseher: innen verschiedene Persönlichkeiten und deren Lieblingsorte vorstellt.
Zuletzt stand Nicolai Tegeler als Conférencier beim Beatles-Musical am St. Pauli-Theater in Hamburg auf der Bühne.
War es immer dein Ziel als Künstler tätig zu sein oder hattet du einen anderen Berufswunsch?
Künstler? Das war sozusagen Plan B. Ursprünglich wollte ich professioneller Einhorn-Dompteur in einem magischen Zirkus werden. Aber dann habe ich bemerkt, dass meine Fähigkeiten im Zeichnen und Malen die Einhörner beeindruckten – besonders wenn ich Porträts von ihnen anfertigte! Sie meinten, ich solle meine Talente in der realen Welt teilen, anstatt sie im Reich der Fantasie zu verbergen. So wurde ich Künstler, aber in meinem Herzen bin ich immer noch der beste Einhorn-Dompteur, den die Welt (nicht) gesehen hat!“ 🦄✨ Nein, im Ernst, durch meine Mutter, die selbst als Schauspielerin tätig war und meinem Opa, hatte ich schon als Kind den Wunsch, Menschen unterhalten zu wollen – zumindest wußte ich schon früh, dass ich nicht ins Büro will.
Du hast deine Ausbildung an der Fritz-Kirchhoff-Schule in Berlin abgeschlossen. Was nimmst du aus deiner Ausbildung mit und wie viel Anteil hat eine künstlerische Ausbildung am späteren beruflichen Karriereweg?
Ach, die Fritz-Kirchhoff-Schule! Dort habe ich nicht nur gelernt, wie man die Bühne betritt, sondern auch, wie man sich vor einem Drachen versteckt und wie man in einer fiktiven Sprache flucht. Die Ausbildung hat mir das Rüstzeug gegeben, auf der Bühne der Welt zu bestehen. Und wie viel Anteil hat die künstlerische Ausbildung an meinem Karriereweg? Nun, ich mag es so ausdrücken: Ohne die Schule wäre ich vielleicht ein exzellenter Drachenverstecker, aber mit der Schule bin ich ein ebenso guter Geschichtenerzähler geworden. Die Mischung macht’s, und in Berlin habe ich den perfekten Cocktail gefunden!“ 🐉🎭🍹 Aber dennoch ist für mich nichts so wichtig, wie die Praxis. Eine gute Ausbildung ist toll und sicherlich auch wertvoll, aber ich brauche die Praxis, das mich „vor Ort ausprobieren“ – den „Live-Monent – Live-Kick“ – den die Praxis ist immer noch die beste Schule (Ausbildung) – hier trifft man als Künster:in direkt auf Kritik (ob gute oder weniger gute) und man oder Frau muss sich hier unmittelbar beweisen.
Nicolai Tegeler – Credits: Markus Nass
Was waren für dich die größten Herausforderungen in deiner ersten Zeit als Darsteller?
In meinen ersten Tagen als Darsteller war es nicht das Textlernen oder die Scheinwerfer, die mich herausforderten. Nein, es war die Armee von unsichtbaren Ninjas, die ständig versuchte, mir meine Zeilen zu stehlen! Aber im Ernst, die wahre Herausforderung war das ständige Balanceakt zwischen meiner eigenen Identität und den Charakteren, die ich verkörperte. Jedes Mal, wenn ich einen Charakter spielte, hinterließ er einen kleinen Abdruck in meinem Herzen. Das zu navigieren, ohne mich selbst zu verlieren, war ein spannendes Abenteuer – fast so spannend wie unsichtbare Ninjas zu bekämpfen! 🎭🥷🖤 Es war aber auch so, dass ich nach der Ausbildung mich erstmal zurechtfinden musste – hier gibt es nämlich keine Ausbildung – wo will ich eigentlich genau hin? Ans Theater? Aber in die Provinz? Will ich lieber drehen? An wen wende ich mich? Was sind gute Fotos? Brauche ich eine Agentur? Wie finde ich eine Agentur usw.… diese Fragen zu beantworten brauchte seine Zeit.
Was würdest du jemanden raten, der einen künstlerischen Beruf ergreifen möchte? Eine gute Entscheidung oder lieber nochmals durchdenken?
Ein künstlerischer Beruf? Denk daran, es ist wie das Einchecken in das „Hotel California“ – du kannst jederzeit einchecken, aber du wirst nie wieder gehen wollen! Ein Leben in Kunst ist faszinierend und leidenschaftlich, aber nicht ohne seine Höhen und Tiefen. Mein Rat? Wenn du morgens aufwachst und das Erste, was du denkst, ein Pinselstrich, ein Tanzschritt oder eine Melodie ist, dann spring hinein, das Wasser ist herrlich! Aber wenn Zweifel in deinem Geist nagen, nimm dir einen Moment Zeit und tauche in das tiefste Ende deiner Seele, um sicherzustellen, dass es wirklich deine Melodie ist, die du singen möchtest. Kunst ist sowohl ein Ruf als auch eine Reise – stelle sicher, dass du für beides bereit bist! 🎨🎭🎶💃🚀
Was braucht man aus deiner Sicht, um im Film-, TV-, Theater-Business erfolgreich zu sein?
Im Film-, TV- und Theater-Business erfolgreich zu sein, erfordert mehr als nur Talent und gutes Aussehen – obwohl ein bisschen dramatisches Haarflipsen sicherlich nicht schadet! 🎭 Erstens, ein Gedächtnis wie ein Stahlschrank, um all die Skripte und Regieanweisungen aufzunehmen. Zweitens, die Haut eines Nashorns – Kritik wird kommen, manchmal konstruktiv, manchmal nicht so sehr. Drittens, die Flexibilität eines Yoga-Meisters, denn Veränderungen sind die einzige Konstante. Und schließlich, aber am wichtigsten: Eine unerschütterliche Leidenschaft und Liebe zum Handwerk. Wenn das Licht ausgeht und die Kameras stoppen, ist es diese Liebe, die dich antreibt, jeden Tag wieder auf die Bühne oder vor die Kamera zu treten. Das und vielleicht eine gute Tasse Kaffee! ☕🎬🎥🎟️💡Das und ein unerschütterlicher Glaube an dich und ein großes Durchhaltevermögen!
Wie ist es so in Rollen zu schlüpfen? Wie viel Nicolai steckt in jeder Rolle?
Rollen anzunehmen ist wie das Tragen von magischen Brillen. Plötzlich siehst du die Welt durch eine andere Linse, spürst Emotionen, die nicht ganz deine eigenen sind, und doch… sind sie es irgendwie. Bei jeder Rolle, in die ich schlüpfe, entdecke ich neue Ecken und Winkel von ‚Nicolai‘. Manchmal ist es nur ein Hauch – ein kurzer Blick, ein Zucken der Lippen. Andere Male fühlt es sich an, als ob ein großes Stück von mir die Rolle durchdringt. Aber egal wie viel ‚Nicolai‘ in einer Rolle steckt, es ist immer eine Reise des Entdeckens und Lernens. Jeder Charakter ist wie ein Gespräch zwischen dem Drehbuch, dem Regisseur und meiner eigenen Seele. Und ja, manchmal murmelt ‚Nicolai‘ auch etwas dazu! 🎭🎬🤓🔍🌌
Welche Rollen würden dich zukünftig besonders interessieren und warum?
Stell dir vor, ich wäre ein kulinarischer Abenteurer des Schauspiels. Bisher habe ich viele exquisite ‚Gerichte‘ probiert, aber es gibt immer noch so viele ‚Speisen‘ auf meiner Schauspiel-Speisekarte, die ich entdecken möchte! Ich träume davon, einen futuristischen Revolutionär in einem Sci-Fi-Epos zu spielen, wo ich die Menschheit vor ihrer eigenen Technologie retten muss. Oder wie wäre es, in die Lederstiefel eines mittelalterlichen Barden zu schlüpfen, dessen Lieder die Schicksale von Königen und Königreichen beeinflussen können? Und dann gibt es noch diese geheime Wunschliste… darunter ein Jazzmusiker in den 1920ern oder ein verschlagener Meisterdetektiv. Warum? Weil jede dieser Rollen eine neue Welt, eine neue Geschichte und eine neue Reise für mich darstellt. Und wer kann schon einer guten Reise widerstehen? 🌌🚀🎭🎶🔍🏰🎤
Du bist als Schauspieler, Regisseur und Produzent tätig. Wie sehr profitierst du von deiner eigenen Schauspielkarriere, wenn du Regie führst oder produzierst? Und wie schwierig ist es in die „Rolle“ des Regisseurs zu schlüpfen – v.a., wenn du mal selbst mitspielst?
Das Tragen so vieler Hüte in der Filmindustrie ist wie ein Zirkus-Jongleur zu sein – man muss viele Bälle in der Luft halten, aber der Trick ist, keines der Talente zu verlieren! 🎪 Als Schauspieler habe ich einen tiefen Einblick in das emotionale Handwerk, das hinter jeder Szene steckt. Dies hilft mir enorm, wenn ich Regie führe, da ich die Schauspieler auf einer tiefen, empathischen Ebene verstehen kann. Es ist, als hätte ich einen geheimen ‚Übersetzer‘ für ihre künstlerischen Bedürfnisse.
Beim Produzieren bringt meine Schauspielkarriere ein wertvolles Netzwerk und ein tiefes Verständnis für die gesamte Produktionspipeline mit sich. Jedes Projekt ist ein Orchester, und ich habe das Privileg, jede Note davon zu kennen.
Das ‚In die Rolle des Regisseurs schlüpfen‘ ist immer ein Abenteuer. Wenn ich in einer Szene selbst mitspiele, wird es besonders knifflig. Es ist ein bisschen wie Schach gegen sich selbst zu spielen. Ich muss mich ständig selbst herausfordern und überdenken, während ich sicherstelle, dass alles reibungslos abläuft. Aber diese Dualität hält mich auf Trab, schärft meine Fähigkeiten und gibt mir immer eine Geschichte, die ich auf Dinner-Partys erzählen kann! 🎭🎬🍿🥂📽️🎞️🎉
Hast du Vorbilder als Künstler? Sowohl aus der künstlerischen, aber auch aus der persönlichen Sicht?
Vorbilder sind wie die Nordsterne des künstlerischen Universums – sie leiten uns, inspirieren uns und erinnern uns daran, warum wir das tun, was wir tun. Künstlerisch bewundere ich die Vielseitigkeit von Meryl Streep. Ihr Talent, in so viele unterschiedliche Charaktere zu schlüpfen und sie lebendig zu machen, ist schlichtweg atemberaubend. Und dann gibt es noch Christopher Nolan, dessen Vision und Art, Geschichten zu erzählen, mich stets in ihren Bann zieht. Aber auch Robin Williams. Ach, ich könnte hier sicherlich noch viele weitere aufzählen…
Auf persönlicher Ebene habe ich immer den unerschütterlichen Geist von Keanu Reeves bewundert. Trotz der Höhen und Tiefen, die er im Leben erlebt hat, bleibt er bescheiden, großzügig und authentisch. Es ist ein Erinnerungsschlag daran, dass, egal wie erfolgreich man wird, es am Ende des Tages die Menschlichkeit ist, die zählt. Aber wisst Ihr was? Einige meiner größten Vorbilder sind Menschen, von denen Ihr vielleicht nie gehört habt – mein alter Lehrer, ein freundlicher Fremder, der an einem regnerischen Tag einen Schirm geteilt hat, oder der Buchladenbesitzer, der seine Passion mit so viel Begeisterung lebt. Vorbilder sind überall, und sie erinnern uns ständig daran, das Beste aus uns herauszuholen. 🌟🎭🎬📚🌧️🌈📖🎞️🍿
Was hältst du von Social Media? Zwingend notwendig für Künstler:innen?
Social Media ist ein bisschen wie das moderne Zauberland von Oz – farbenfroh, voller Überraschungen und mit einer gelben Ziegelstraße, die zu unbekannten Orten führt. 🌈👠 Für Künstler:innen kann es ein unglaubliches Werkzeug sein, um ihre Arbeiten zu teilen, mit ihrem Publikum zu interagieren und neue Horizonte zu entdecken. Ich habe durch Social Media so viele unglaublich talentierte Menschen kennengelernt und wurde von Kunst aus der ganzen Welt inspiriert.
Allerdings gibt es auch den dunkleren, weniger funkelnden Teil dieses Zauberlandes. Der Druck, ständig ‚online‘ zu sein, der Vergleich mit anderen und das ständige Streben nach Anerkennung kann belastend sein. Es ist leicht, sich in der Menge verloren zu fühlen oder sich von der eigenen künstlerischen Vision ablenken zu lassen.
Ist es zwingend notwendig? Nicht unbedingt. Aber es ist ein Werkzeug, das, wenn es klug genutzt wird, Türen öffnen kann. Mein Rat an andere Künstler:innen? Tauche in die digitale Welt ein, aber vergiss nie, ab und zu deine roten Schuhe auszuziehen, dich zu erden und dich daran zu erinnern, woher du kommst und wohin du wirklich gehen möchtest.🌪️🖼️📲🌎🎭👠🛤️🌟🚪🧙♂️👩🎨🎨📽️🍿🌌🚀🎬📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟🎭📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟🎭📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟🎭📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟🎭📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟🎭📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟🎭📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟🎭📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟🎭📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟🎭📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟🎭📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟🎭📖🌻🌌🔮🔍🎞️🍿🎉🌈🎭🌟📚🌧️🌈🎬🍿📽️🎞️🌟
Wie stehst du generell zum Thema „Vermarktung“ deiner Person? Wie wichtig ist Marketing und Kommunikation für dich als Schauspieler, aber auch als Regisseur, Produzent, Filmemacher, Sprecher und Moderator?
Vermarktung ist ein zweischneidiges Schwert, das ich gelernt habe mit Respekt und Umsicht zu behandeln. Einerseits lebe ich in einer Zeit, in der Marketing und Kommunikation entscheidende Rollen spielen. Als Schauspieler ermöglicht es mir, gesehen und gehört zu werden, meine Arbeit einem größeren Publikum vorzustellen und die Vielfalt meiner Fähigkeiten zu zeigen. Als Regisseur, Produzent und Filmemacher hilft es mir, die Botschaften und Geschichten, die mir am Herzen liegen, zu verbreiten. Als Sprecher und Moderator verbindet es mich mit meinem Publikum und lässt mich meine Stimme effektiver nutzen.
Auf der anderen Seite ist es für mich extrem wichtig, dass die Vermarktung authentisch bleibt. Ich möchte nicht, dass meine Kunst oder ich selbst zu einem bloßen ‚Produkt‘ werden. Es ist ein Balanceakt, sicherzustellen, dass die Vermarktung meinen Werten, meiner künstlerischen Integrität und meiner Vision entspricht.
Ich denke, Marketing und Kommunikation sind Werkzeuge – mächtige, ja, aber dennoch nur Werkzeuge. Das Ziel ist immer, eine echte, authentische Verbindung mit dem Publikum herzustellen, zu inspirieren und zum Nachdenken anzuregen. Wenn ich durch meine Arbeit nur eine Person berühre oder beeinflusse, dann habe ich meinen Job gemacht. Und wenn gute Vermarktungsstrategien dazu beitragen können, diese Botschaft weiter zu verbreiten, dann bin ich an Bord – solange sie im Einklang mit meiner künstlerischen und persönlichen Philosophie stehen.
Wie wichtig sind „Fans“ in deinem Business und wie sind deine bisherigen Erfahrungen mit Fans?
Fans sind das Herzstück meiner Branche. Ohne sie wäre das, was ich tue, lediglich ein Monolog in einem leeren Raum. Fans bereichern meine Arbeit nicht nur durch ihr Feedback und ihre Unterstützung, sondern auch durch ihre eigene Interpretation und Leidenschaft für das, was ich kreiere. Sie sind es, die einer Geschichte Leben und Bedeutung verleihen.
Bisherige Erfahrungen? Nun, es war wirklich eine Achterbahnfahrt. Es gibt Momente purer Freude – wenn jemand mir erzählt, wie eine Rolle oder ein Film sie tief berührt hat. Oder wenn sie sich durch meine Arbeit inspiriert fühlen oder einfach nur gut unterhalten wurden. Diese Rückmeldungen sind unbezahlbar und treiben mich an, weiterzumachen. Natürlich gibt es auch herausfordernde Momente, wie in jeder Beziehung. Manchmal ist es schwer, die Grenze zwischen meiner privaten und meiner öffentlichen Persönlichkeit zu ziehen. Aber ich habe gelernt, diese Herausforderungen als Teil des Pakets zu sehen. Es lehrt mich, Respekt und Wertschätzung für die Menschen zu haben, die meine Arbeit so sehr schätzen, dass sie sich mit ihr verbinden wollen.
Am Ende des Tages bin ich unglaublich dankbar für jeden Unterstützer. Sie erinnern mich daran, warum ich tue, was ich tue, und sie helfen mir, am Boden zu bleiben und mich ständig weiterzuentwickeln.
Hast du einen Lieblingsfilm oder gibt´s mehrere Filme oder Genres, die du besonders magst?
Ein Lieblingsfilm? Das ist, als würde man mich bitten, mein Lieblingskind zu wählen – wenn ich Kinder hätte! Die Filmwelt ist so vielfältig und reichhaltig, dass es fast unmöglich ist, sich auf einen einzigen Film festzulegen. Aber wenn ich muss, dann würde ich sagen, dass ‚[MEMENTO]‘ einen besonderen Platz in meinem Herzen hat. Dieser Film hat mich in einer entscheidenden Phase meines Lebens erreicht und beeinflusst.
Generell bin ich ein großer Fan von Filmen, die tiefgründige menschliche Geschichten erzählen – solche, die uns dazu bringen, über unser Leben, unsere Entscheidungen und unsere Beziehungen nachzudenken. Egal ob es ein Drama, eine Komödie oder sogar ein Thriller ist, solange er eine starke Botschaft oder einen einzigartigen Blickwinkel bietet, bin ich an Bord.
Natürlich gibt es auch Tage, an denen ich einfach nur abschalten und lachen oder von einer aufregenden Action-Sequenz mitgerissen werden möchte. Das Schöne am Kino ist, dass es für jede Stimmung und jeden Moment etwas bietet. Es ist eine ständige Entdeckungsreise, und ich freue mich immer darauf, den nächsten Film zu finden, der mich beeindruckt oder inspiriert.
Nicolai Tegeler – Credits: Clara Marnette
Was ist dein Lebensmotto und warum?
Meine Leitsterne im Leben sind die Mottos: ‚Geht nicht, gibt’s nicht‘ und ‚Was du heute kannst besorgen, verschiebe nicht auf morgen.‘ Für mich sind sie nicht nur einfache Redensarten, sondern Lebensphilosophien. Sie haben mich durch Höhen und Tiefen begleitet und mir immer wieder gezeigt, dass Hindernisse meist nur in unserem Kopf existieren. Wenn man entschlossen ist und den festen Willen hat, kann man fast alles erreichen. Gleichzeitig erinnert mich das zweite Motto daran, proaktiv zu sein und die Chancen, die sich heute bieten, nicht verstreichen zu lassen. Das Leben wartet nicht, und wir sollten jede Gelegenheit nutzen. Zusammengefasst bedeuten diese Mottos für mich: Handle entschlossen, sei lösungsorientiert und warte nicht auf ‚den richtigen Moment‘. Er ist bereits hier und jetzt.
Welche Frage möchtest du dir gerne noch stellen?
Wenn ich mir selbst eine Frage stellen dürfte, wäre es wohl: ‚Wenn du für einen Tag in die Welt eines Films eintauchen könntest, welcher wäre es und warum?‘ Es ist eine Frage, die mich dazu anregt, über die unzähligen Welten nachzudenken, die ich schon auf der Leinwand gesehen habe. Würde ich das rasante Adrenalin eines Actionfilms suchen? Oder die Romantik eines klassischen Liebesfilms? Vielleicht die Fantasiewelten eines epischen Abenteuerfilms? Oder gar die absurden, humorvollen Szenarien einer Komödie? Es ist eine Frage, die nicht nur mein Kinoliebhaber-Herz, sondern auch meine Neugierde und mein Abenteuergeist anspricht. Und die Antwort? Nun, die ändert sich je nach Tagesstimmung!
Wordrap
Hund oder Katze: Hund Urlaub am Berg oder am Meer: Beides Facebook oder Instagram: Instagram Tag oder Nacht: Nacht Modetrends oder eigener Style: eigener Style Schwarz oder weiß: Schwarz Fantasyfilm oder Komödie: Beides Buch oder Zeitung: Zeitung Kraftsport oder Ausdauertraining: Ausdauertraining WhatsApp oder Signal: Whatsapp Wirtschaft oder Politik: Politik Tee oder Kaffee: Kaffee
Diese Persönlichkeit fasziniert mich: Nikola Tesla. Ein Visionär, der seiner Zeit weit voraus war. Mein bestes unnützes Talent: Ein unbeabsichtigter Roadtrip ohne Handy durch Andalusien. Man lernt viel über sich selbst, wenn man sich verfährt! Diese Schlagzeile möchte ich über mich lesen: Vom Tagträumer zum Zeitreisenden: Wie Nicolai die Grenzen von Kunst und Realität neu definiert hat 😉 Diese Eigenschaften sind mir bei anderen Menschen wichtig: Authentizität, Humor und die Fähigkeit zu zuhören. Energie tanke ich durch: Gute Gespräche, Reisen, dunkle Schokolade und gelegentlichen Tagträumen. Zum Frühstück esse ich gerne: Frisches Obst, Joghurt und ein geheimes Rezept von Großmutters Pfannkuchen. Meine Lieblingsfächer in der Schule: Kunst, Geschichte und dieses kuriose Halbjahr mit Astronomie. Im Kühlschrank habe ich immer: Scharfe Soße, einen guten Camembert und überraschend oft Schokolade (ja, im Kühlschrank!). Lernen möchte ich noch: Tango tanzen und vielleicht die Geheimnisse des Universums. In welcher Reihenfolge ist noch unsicher. Wenn ich 10 Mio Euro im Lotto gewinne, würde ich: Eine Künstlerkolonie gründen und den Rest verwenden, um versteckte Schätze auf der ganzen Welt zu finden. Meine 3 Lieblingsmarken sind: Moleskine (für all meine kreativen Gedanken), Lindt (Schokoladenliebhaber) und Leica (für das Festhalten besonderer Momente). Dafür lohnt es sich zu kämpfen: Kunst, Liebe und ein wirklich guter Kaffee am Morgen. Das größte Abenteuer meines Lebens: Ein spontaner Fallschirmsprung über Berlin und eine Theater-Tournee quer durch die USA. Das möchte ich noch erreichen: Weitere Filme drehen, Theaterstücke machen und ein Buch schreiben und vielleicht einen kleinen Weingarten besitzen. Erfolg ist für mich: Nicht gemessen an Preisen oder Anerkennungen, sondern an den Menschen und Erlebnissen, die ich auf meiner Reise berühre und mit denen ich verbinde.
IOA 2025 - Giorgos Koumendakis - Franz Patay - Lina Mendoni - Stefan Herheim - Credits: Akriviadis Charis
